El Violín de Ingres

Man Ray, El Violín de Ingres (1924)

Malú Ramírez

http://colorin-productions.com.mx

 

La fotografía El Violín de Ingres, realizada en 1924 por Man Ray, evoca suavidad, atracción, fluidez, feminidad y delicadeza gracias a las categorías estéticas que emplea tales como belleza y novedad. El tema de la obra es un tributo al pintor neoclásico francés Jean Auguste Dominique Ingres. El enfoque que Man Ray le da a su obra es el de reinterpretar el cuerpo de una mujer como si fuera el de un violín, gracias a sus curvas y la fluidez de su figura, evocando así la famosa frase le violon d’Ingres, que hace referencia al pasatiempo que el francés tenía. Así es como Man Ray nos hace la analogía de que a él le apasionaba tocar a la modelo de esta foto, Alice Ernestine Prin (Kiki de Montparnasse) tanto como a Ingres le apasionaba tocar el violín.

Gracias a la tecnología emergente de la fotografía en la época de Man Ray, él decide hacer su tributo mediante una foto y no mediante una pintura, ya que prefería fotografiar aquello que no podía pintar, aunque finalmente modifica la imagen, convirtiéndola entonces en mitad reproducción mecánica y mitad pintura. Las implicaciones psicológicas de esta obra son la acción de tocar y el manejo de un tema irreal, pero basado en una realidad previa. La lectura de esta obra es, en primera instancia, fácil porque podemos ver claramente la reinterpretación de la mujer como un violín; sin embargo, para entender la referencia que se hace a Ingres, es necesario saber de la obra del pintor neoclásico, ya que son tanto la espalda de la modelo como el turbante que lleva ella en la cabeza, las pistas que Man Ray nos deja para poder entender su obra.

Esta fotografía es claramente surrealista, ya que nos habla de un encuentro inesperado y de la juxtaposición de personalidades, cosa que era recurrente en el arte surrealista. De igual manera, nos habla de sexualidad y de la referencia a lo clásico (que Man Ray utiliza al igual que Ingres en su época), temas muy utilizados por los surrealistas. La fotografía es original, ya que nos presenta con una innovación en el tema por no haberese tratado anteriormente al cuerpo de la mujer como al de un instrumento musical otorgándole una sensualidad a este violín que los instrumentos de cuerdas cubistas no tenían (hoy en día, esta fotografía ha sido reinterpretada muchísimas veces). De igual manera, la foto es innovadora en cuanto a las cuestiones técnicas que Man Ray emplea, ya que se trata de una fotografía de la espalda de una mujer, alterada con tinta china para agregar los oídos en efe y después vuelta a fotografiar.  El uso de los contrastes, la iluminación y la simpleza de la fotografía le hacen énfasis a la forma de la espalda de la mujer, la cual nos remite al violín y al estilo pictórico de Ingres.

Los componentes que integran esta obra son una foto de una mujer con aretes largos, un turbante en la cabeza y una tela alrededor de su área pélvica; su cara la podemos ver de perfil. Delante de ella hay una pared oscura. Sobre esta fotografía se pintaron con tinta china negra dos oídos en efe. Posteriormente, la fotografía alterada se volvió a fotografiar. La espalda de esta mujer forma la figura de un violín, acentuando sus curvas por el contrtaste que la pared oscura de atrás le brinda. Los oídos en efe crean la alegoría del cuerpo de la mujer como el cuerpo de un violín. El turbante y los aretes largos sirven para darnos la referencia al ambiente oriental que le agradaba a Ingres, dandonos como referencia directa a la famosa obra del pintor, La gran bañista de Valpinçon.

Esta obra logra solucionar perfectamente la problemática de realizar un tributo a Ingres, pero de manera sutil y con un enfoque claramente intelectual, característico de los surrealistas. Es una obra que fue muy innovadora en su época, creando una tensión entre la objetivación de la mujer contra la apreciación de la figura femenina. Esta fotografía claramente ha trascendido y ha marcado la pauta para futuras interpretaciones de la mujer como instrumento musical, instrumento de placer, instrumento que se toca. Gracias a esta fotografía, también, el expectador puede ser transportado a la pintura de Ingres, logrando así una revisión de la obra de este pintor.

FOTO CON SIGNIFICADO

Alejandra Cantú

 

La foto es tomada en una de las largas caminatas que dimos yo y mi hermano por la playa, a la que fuimos mi familia y yo en mayo del 2010.

Tomé primero un par de fotos a mi hermano por tener recuerdo del viaje, pero después gracias a esto me di cuenta que el día nublado, el color de la arena, la espuma del mar y los tramos en los que el agua, a pesar de no ser muy clara, deja ver un color mas oscuro de la arena, contrastando estos colores con el color de tez y el color de ropa de mi hermano, llamó tanto mi atención que decidí usarlo a el como modelo, aprovechar el clima y usar el paisaje de escenario.
En realidad esta foto es actuada, pero gracias a esto desperté ante el paisaje que tenía en frente, o más bien me volvió a sorprender, no sé si se deba a que me gustó lo que yo misma tomé y yo misma pude captar de todos estos colores y por esto me sorprendí más, o simplemente me sentí mas agradecida por lo que podía ver no solo en mi cámara digital pero con mis propios ojos.

 

La época en la que fue tomada, el momento, mi familia estando en ese viaje, la gente desconocida con la que hable durante esa caminata, la conversación con mi hermano, mi estado de animo y la sensación que te da siempre el mar de tranquilidad le dan el significado a esta foto, talvez por esta serie de cosas que siento al verla no puedo realmente decir que si la veo me provoca tranquilidad, si fuera alguien que no conoce a la persona de la foto, que no estuvo en el momento y sobre todo la época, podría no provocarle nada. Pero en cuanto a color, contraste, equilibrio y calidad, considero que si es una buena foto, tratando de dejar a un lado lo que me hace sentir, además creo que es muy fácil de interpretar para cualquier persona, si pienso que puede transmitir fácilmente una emoción.

 

Por último, vuelvo a mencionar algo en lo que no entre en detalle anteriormente, hablaba de que la foto en realidad es una foto actuada.
Te da una impresión de que no porque parece un momento natural, que podríamos imaginar al ver esta foto que la persona estaba jugando y fue captada simplemente por esa razón, mi hermano si estaba de verdad sonriendo cuando tomé esta foto, pero no para la cámara que lo captaba jugando y viviendo el momento, sino porque, a pesar de que si vivió un momento al actuar y moverse para mi pues yo estaba haciéndolo correr para tomar su silueta, yo estaba haciendo que el de cierta manera actuara para poder captar lo que en mi imaginación estaba viendo y queriendo que saliera en la fotografía.

Fotografia seleccionada

Erick Rodríguez

 

La fotografía no tiene un titulo en especifico, tampoco se recuperaron las especificaciones del autor y el lugar, pero es una imagen acerca de los derramamientos de petróleo en las costas.

En la imagen se presentan a una persona la que probablemente sea parte de el equipo de limpieza de la costa donde ocurrió el derrame caminando por la parte baja de la playa, la cual esta totalmente cubierta de petróleo crudo, sus botas y su pantalón cubiertos con el petróleo también. La cantidad de petróleo es tanta que el incluso se ve como la capa jala incluso el pie de la persona que esta caminado por la marea baja.

La composición del foto esta muy bien ordenada, poniendo como punto central la suela de la bota en la cual el grosor de la capa de petróleo crudo hace bastante evidente lo catastrófico del suceso. De esta manera la fotografía logra en mi opinión que de manera directa hace tomar conciencia al espectador acerca los niveles de destrucción que causan lo accidentes de este tipo. Por otra parte la sensación que me causa esta fotografía es de tristeza y preocupación, porque aunque uno no es capaz de apreciar de manera directa todo el daño del accidente, el entorno y la cantidad de petróleo crudo no hace tomar de manera inconciente de la muerte de la vida marina y de la fauna de los alrededores , lo que me deja bien claro, el peligro y el daño que el hombre causa en la naturaleza por el uso y abuso de lo recursos naturales.

Lo que me lleva concluir que si lo que el autor de esta fotografía, busca era hacer conciencia de lo que la avaricia y la búsqueda de dinero causa, la naturaleza no es para siempre y su mensaje ecológico nos lleva a preocuparnos cuanto daño causamos con nuestra imprudencia y no vemos manchados debido a esta.

Foto Personal

Andrés Anza

 

Esta fotografía fue escogida por simple gusto a la obra de este fotógrafo estadounidense, en particular los desnudos. Este fotógrafo tomó varias series que se volvieron famosas, algunas sobre conchas, escusados, pimientos y los desnudos; todos esos objetos tienen o tenían algo que ver con el desnudo, algo así como lo que hizo Robert Mapelthorpe. Sin embargo atrae más la idea del desnudo que esta representado con un cuerpo humano; en el caso de la fotografía escogida que es una de las más famosas, es un cuerpo femenino. Weston en sus desnudos normalmente fotografiaba mujeres, tenía mucha influencia de un fotógrafo al que admiraba mucho y al que llego a conocer en Nueva York, Alfred Stieglitz, viendo la obra de los dos, se nota mucho esta influencia.

Antes de que esta fotografía fuera tomada, Weston ya había atravesado un periodo de cómo quien dice  búsqueda de identidad.  Primero el solo reconoció que ya no pertenecía al pictorialismo y después perteneció y fundó junto con otros fotógrafos un grupo que buscaba la pureza de la fotografía, no les interesaba que intervinieran elementos o técnicas diferentes a una cámara fotográfica y el objeto a fotografiar.

Luego de varios viajes, entre ellos a México, conoció a gente como Diego Rivera y Frida Kahlo, que dejaron una huella en su trabajo y manera de percibir el entorno. Esto muy importante para un fotógrafo, pues puede de alguna manera alterar el entorno para capturarlo a su gusto.

A pesar de que la fotografía en blanco y negro no es lo único con lo que trabajó, este fotógrafo prácticamente hizo toda su obra en este formato, por cuestiones de época, claro. Sería interesante saber qué hubiera pasado si hubiera conocido la fotografía a color antes, ¿la hubiera considerado mas cercana a la pureza? Sin embargo eso ya no puede pasar y es algo que le da puntos a este fotógrafo que siguió un mismo eje hasta que después de percibir el entorno como objeto, lo conoció como paisaje, en sus últimas series esta muy presente este tipo de fotografía.

Algo que le pone el nombre de este fotógrafo en mayúsculas es que, junto con el grupo f/64, encontraron en la fotografía una composición,  le dieron formato, por así decirlo, la regla de las tres zonas por ejemplo. Weston, juega mucho con el cuerpo que esta atrapado en un rectángulo de 8” X 10” y después de revisarlo y fotografiarlo de varias maneras, lo convierte en un cuerpo anónimo que esta delicadamente puro. Pues también se dice, que era muy detallista en sus fotografías, cuidaba los detalles, por ejemplo en esta fotografía, a la hora de que fue impresa el se aseguró de que los pocos bellos púbicos que se ven, no se vieran lo suficiente como para que formaran parte (importante) de la composición.

Fotografía Personal

Fernanda Vidal

 

Se trata de un retrato de un residente de la cuidad, un señor de la tercera edad, de clase baja.

Ésta fotografía fue tomada por mi (Fernanda Vidal), en Julio del 2010 en la ciudad de Campeche, Quintana Roo, en un viaje que hice con mis amigas.

Estábamos desubicadas y el señor nos ofreció su ayuda. El momento en que tome la fotografía fue instantáneo en un momento en el que volteó y logré captar su mirada, su sonrisa y su ternura, que es lo que me gusta de ésta.

Una mirada sencilla, transparente, junto con una sonrisa sincera y sin algunos dientes, en donde la sencillez y humildad se vuelven parte de reflexión.

El entorno forma parte importante en la foto, se trata de una fachada colonial, muy característica de Campeche, con tonos rosa pastel y blanco, aparece también el comienzo de otra pared en donde el tono amarillo claro se compensa con el rosado.  Éstos colores envuelven al retratado en un ambiente de tranquilidad y alegría.

El señor se encuentra sosteniéndose en el marco de la pared, siendo éste un anciano.
Trae puesto un sombrero al estilo yucateco que le cubre gran parte de su cabello blanco grisáceo, para cuidar su piel morena de los rayos del sol, cargando una mochila roja con negro.  Viste un pantalón negro y una camiseta color azul, se ve vieja, un tanto desavada que pareciera ser de algún colegio, como si se la hubieran otorgado por falta de vestido, y por último, un reloj en su muñeca izquierda, es lo que lo hace un personaje singular.

Fué tomada con una cámara digital Sony Cybershot, y en la fotografía es clara la nitidez, sin arreglos digitales ni técnica planeada.  Los contrastes de luz son pocos, ya que la fotografía se encuentra con un patrón de luz muy regular, el efecto que da hacia el ojo es muy monocromático, me refiero a sin causar impresión alguna al espectador.

Pero lo que la hace una “buena”  fotografía creo que es principalmente el personaje, y agregando el entorno se crea cierto ambiente.

Para mi ésta fotografía significa el recuerdo de un hombre que a pesar de su humildad, es feliz.  Simboliza uno de los valores mas hermosos que un humano puede tener, la sencillez.